Johann Sebastian BACH es sin duda el compositor que mayor interés ha suscitado entre otros compositores posteriores a él. Su música ha sido arreglada por Mozart, Reger, Weber, Busoni y un largo etcétera, admitiendo siempre sin dificultad todos los ropajes estilísticos. Como si en ella residiera la atemporalidad, o más bien, como si fuera la música en sí misma. Mendelssohn afirmó que todo ámbito donde resuena la música de Bach se convierte al instante en templo. El templo de la música podríamos decir. Las tres pequeñas piezas con las que se inicia este concierto nos demostrarán sin duda esta aseveración. La dulce Schafe können sicher weiden, es un aria para soprano que forma parte en realidad de una cantata de caza. Su contenido textual, “las ovejas pueden pastar con seguridad” es lo que cantaría la soprano en esta aria. Sin embargo, la escucha del maravilloso arreglo de la compositora y pianista norteamericana Mary Howe, nos lleva a otra, muy lejana y ensoñadora dimensión. Lo mismo ocurre, aunque de una manera diferente, con las siguientes dos piezas, transcripciones del compositor rumano György Kurtág, (1926). Kurtág arregló muchas obras de Bach para tocarlas a cuatro manos con su esposa Marta. Estoy convencida de que los hermanos Jussen apoyarían la recomendación de que vean ustedes las interpretaciones del matrimonio, ya anciano, en las que la música de Bach sirve para rubricar el emotivo y profundo vínculo afectivo entre ambos.  Sintamos en estos términos mientras escuchamos Nun komm, der Heiden Heiland, perteneciente al Pequeño libro de órgano, considerado catecismo de los organistas del mundo entero. Y escuchemos finalmente, en términos igualmente atemporales, Gottes Zeit ist die allerbeste Zei, que es la “sonatina instrumental” con la que se inicia una de las más tempranas cantatas de Bach, también conocida por el nombre apócrifo de Actus Tragicus, ya que fue compuesta para un funeral. Un hermoso efecto de diálogo en eco que supone uno de los fragmentos musicales más bellos jamás escritos.

Esta búsqueda y efecto de diálogo es precisamente lo que hace que para Schubert el piano a cuatro manos sea, más que en ningún otro compositor, tan importante en su repertorio. El juego a cuatro manos es para él “el lugar del intercambio y del diálogo amistoso, símbolo de la comunión fraterna dentro de un mismo universo afectivo”. Y es que en Schubert la sed de amistad está en la base de su trabajo creativo, gran parte del cual surgía casi como una improvisación en sus famosas fiestas musicales, desde entonces conocidas como “schubertiadas”. Entre todas las obras a cuatro manos de Schubert, la Fantasía en fa menor que escucharemos esta noche está, sin duda, en la cúspide. En palabras de Schumann, “una de las confidencias más profundas y conmovedoras” de quien más “ha compuesto para sí mismo y su propio corazón”.

Llega el turno de las obras para dos pianos. Con ellas nos sumergiremos en un verdadero vendaval de sonido y de brillantez pianística. Maurice RAVEL y su amigo Alfredo Casella, interpretaron en 1920, por primera vez La Valse en la versión de dos pianos, adelantándose a su expresión sinfónica. Ravel afirmó que quería componer “un gran vals, una especie de homenaje a la memoria del gran Strauss (Johann)”. Aunque su denominación formal es la de poema coreográfico, su materialización como ballet no llegaría hasta 1929. No obstante, en La Valse (El Vals), muy poco nos recuerda a los brillantes salones vieneses del vals. Según el propio Ravel, se trata de un “torbellino fantástico y fatal”. Un torbellino de carácter “inquietante, cuya violencia se esconde bajo una envoltura demoníaca”, a decir de los críticos. Desde su introducción en pianissimo, una de las más desconcertantes que se hayan escrito, la obra se plantea como un fascinante calidoscopio sonoro con cambios de tiempo, de tonalidades y un uso del crescendo conducente a llevarnos al paroxismo emotivo.

Pero aún más fatal y violenta es la siguiente y última pieza de este concierto, La Consagración de la Primavera,una obra de 1913 con la que se podría decir se inicia tempranamente la andadura de la música moderna de vanguardias del siglo XX, ya que, de hecho, con ella Igor STRAVISNKY quiso literalmente "mandar todo al demonio”. Como será fácil apreciar, todos los elementos musicales desplegados en esta obra suponen una clara ruptura con la concepción musical de épocas precedentes. Este salvajismo musical está ligado inevitablemente al argumento, idea original del propio Stravinsky, cuyo desenlace culmina con el sacrificio ritual de una doncella para propiciar la primavera. El estreno de la Consagración, (o Rito), de la primavera supuso uno de los mayores escándalos de la historia de la música. El público comenzó a abuchear la obra cuando ésta aún no había finalizado. Partidarios y detractores se dividieron en protestas y aplausos durante la representación. Y es que a la violencia rítmica y disonante de la música se unió una coreografía que a muchos pareció también intolerable, pues podría decirse que con ella Nijinksy, el coreógrafo, inició la evolución del ballet clásico al contemporáneo. Comprensible es que Stravinsky escribiera el arreglo para piano del ballet como ayuda al ensayo de los bailarines. Pero este trabajo fue también la base sobre la que construyó después la arquitectura orquestal y, como tal, versiones tempranas de la obra fueron mostradas a algunos de sus más cercanos colegas. Sin embargo, éstas nunca fueron pensadas como piezas de concierto. La primera interpretación publica de la versión para dos pianos que escucharemos esta noche es de 1967, (con M. Tilson Thomas y R. Grierson). Ni entonces, ni hace ya más de un siglo, su audición deja indiferente a nadie.

Estrella Cantero